Croisés lors de rencontres improvisées à l’Atelier du Plateau, la chanteuse tout terrain Angela Flao, le batteur de climats Antonin Leymarie, l’architecte des textures Joce Mienniel et le métallique Maxime Delpierre s’emparent d’un texte de Nicolas Flesch.

Soit d’un côté, un trousseur de contes urbains où les solitudes s’égarent dans les nuits capitales et de l’autre quatre fortes têtes d’un jazz furetant vers le trip hop, la folk lancinante, le rock minimaliste et la transe des villes. Ce combo risque fort de nous emporter dans une traversée cinématographique, un cantilène rock où les sons fraisent des mélodies obsédantes et les mots claquent comme des talons.

« Cla ! cla ! cla ! ― Paris ― une femme claque ses bottes ! bottes ! bottes ! Son amour perdu lui a retourné ses nerfs sur sa peau. Elle est une prière qui convoque les fantômes, une bataille qui voudrait déplier le temps, la ville, l’absence. Elle caresse les ponts, chérie les gravats, défie les algorithmes : son errance est une transe. Métamorphosée en pythie, elle déchiffre les néons, les visages, la nuit... la nuit que quadrillent les drones. Cla ! Cla ! Cla !»
Nicolas Flesch

Ambiance électrique et exubérante pour cette jungle de velours imaginée par le saxophoniste Daniel Erdmann. Accompagné des talentueux Théo Ceccaldi, Jim Hart, et du magicien des rythmes Cyril Atef, ce quartet nous emporte dans un ballet de transe, une déferlante mélodique.

Depuis sa première apparition à l’Atelier du Plateau, le trio Velvet Revolution a parcouru de nombreux chemins. Pour troubler sa route balisée, Daniel Erdmann a convié le batteur atypique Cyril Atef à les rejoindre et composer un nouveau répertoire. Velvet Jungle nous transporte dans les brumeuses capitales d’Europe de l’Est, et initie sa propre « révolution de velours ». Il y a du poétique et du littéraire, du pictural et de l’abstrait, de la créativité et du débordement.

Le musicien, danseur et performeur, Alvise Sinivia, démantèle des pianos à bout de souffle pour n’en garder que la table d’harmonie. Reliés les uns aux autres par des fils de nylon, trois cadres de piano deviennent ainsi des corps résonnants entre lesquels le performeur évolue. Frottés, pincés, touchés, les fils transmettent leurs vibrations aux cordes, puis aux cadres, puis c’est toute la table d’harmonie qui entre en résonance.

Pour ces deux soirées à l’Atelier du Plateau, Alvise Sinivia nous donne à voir et à entendre le corps, engagé et mouvant, qui, dans l’intégralité de ses mouvements, devient le déclencheur du son.
Un spectacle à la fois sonore, scénographique et chorégraphique.

The Workshop réunit quatre jeunes musiciens avides de découverte, autour des compositions du saxophoniste Stéphane Payen. Pour cette soirée à l’Atelier du Plateau, le quartet invite la contrebassiste Charlotte Testu, autour de l’oeuvre les Sérénades de Hans Werner Henze.

The Henze Workshop se construit comme un concert en miroir. D’un côté, The Workshop interprète les neuf courts mouvements des Sérénades, arrangés par Stéphane Payen ; de l’autre, Charlotte Testu interprète la version originale de l’oeuvre du compositeur allemand pour contrebasse solo.
Sans oublier, entre les deux, les imprévisibles croisements que réservent l’improvisation.

Pour ce quintet, l’accordéoniste, compositeur et improvisateur Christophe Girard réunit des musiciens parmi les plus talentueux de la jeune scène jazz française. Bercés par l’héritage d’une culture classique et l’audace de l’improvisation, ces musiciens nous livrent une palette sonore riche, allant du frémissement imperceptible à l’orage le plus électrique pour un son massif et tellurique.

Lauréat du dispositif Jazz Migration #4, Mélusine mêle sans complexe les musiques aventurières, aux sonorités libres et toujours en éveil.

Pour cette création, réunissant musique et photographie, Gregory Dargent, oudiste, invite deux des musiciens les plus étonnants des scènes free jazz et des musiques traditionnelles : Anil Eraslan au violoncelle, et Wassim Halal aux percussions.

Les photographies de Gregory Dargent, réalisées en 2017 à Reggane en Algérie, lieu des essais nucléaires français dans les années 60, s’entremêlent avec la musique du trio, aux influences virevoltant entre les musiques improvisées, les transes et les déflagrations électroniques. Ensemble, ils interrogent l’irradiation de l’art, la perte d’identité des victimes et la liberté des espaces désertiques.

Cette soirée à l’Atelier du Plateau sera l’occasion de célébrer la sortie du disque du trio, ainsi que du livre photographique de Gregory Dargent.

La contrebassiste Sarah Murcia n’en est pas à ses premières expérimentations à l’Atelier du Plateau. Que ce soit autour de ses propres compositions, d’une carte blanche ou comme interprètes invitées, elle nous offre, à chacune de ses apparitions, une musique libre, furetant vers la pop, la chanson, les musiques du monde et le rock.

Avec Eyeballing, cette musicienne aux multiples talents récidive avec élégance, virtuosité, énergie déjantée et poésie. Sarah Murcia rassemble autour de sa contrebasse deux complices de longue date, Benoît Delbecq et Olivier Py, et un musicien qui lui tardait d’inviter, le tubiste François Thuillier. Ensemble, ils mêlent chanson et pop singulière, écriture et improvisation, électronique et acoustique.

O let me weep est une invitation à partager une expérience intime, sonore, visuelle et sensorielle autour d’une toute petite piste de cirque.

De la nécessité de vivre ensemble, entre abandon et dépendance, un homme et une femme jouent. Ils jouent à prendre soin l’un de l’autre, à se faire peur, à lâcher prise. Ils se risquent dans des relations de confiance extrême, jusqu’à épuisement. Sous nos yeux, un ballet en suspension s’anime, emmené par le violoncelle et le chant, en maître du jeu, de la tension et du drame.

Le cirque de Colline Caen et Serge Lazar défriche à mains nues de nouveaux chemins physiques, détricote les corps, fait crisser les peaux. O let me weep raconte ce qui nous rend fragile et fort, raconte les relations, l’effort sauvage, la tension, l’ivresse, la délicatesse. Un cirque intimiste, une histoire d’amour, de confiance, de dépendance.

Dans la quasi pénombre d’une proposition immersive, cette traversée musicale mêle Un étrange voyage, poème de l’auteur turc Nâzim Hikmet, aux tonalités épiques de la guitare du musicien hongrois Csaba Palotaï.

Porté par la voix du comédien Julien Allouf, ce long poème d’amour en prose mène l’auteur dans une errance à travers l’Europe chaotique de l’après-guerre, dans l’ombre fantomatique de la femme aimée. Sur les ruines de l’histoire, de l’Europe, des révolutions, le poème s’inscrit en nous pour entendre l’errance d’un exilé aux prises avec son siècle. La musique accompagne, guide, porte, se fait elle-même recherche, creusement, en quête d’une peut-être vérité, d’un avenir rêvé.

Comme une évidence, l’Atelier du Plateau accueille joyeusement les musiciens Louis Sclavis, Dominique Pifarély et Vincent Courtois.
Amis, fidèles complices, camarades, ils n’ont de cesse de nous surprendre.
Comme un dialogue au fil des ans, ils viennent se rencontrer, chargés de leurs exigences, leurs savoir-faire, leurs histoires partagées sur le plateau de notre atelier.

Telles ces fleurs qui attirées vers le soleil développent en leur coeur une inestimable et bienfaisante richesse, Tournesol se tourne vers son point chaud.

Ces trois maestros de l’improvisation libre tissent une trajectoire hypnotique, originale et sensible, où l’espace des choix possibles permet de larguer les attaches des esthétiques. En perpétuelle renaissance, la musique de Tournesol chemine avec plaisir et simplicité, dans ce nouvel espace musical, fruit du passé et du présent, vers des chemins d’air et de terre.

Que la musique soit écrite, orale, organisée ou improvisée, archaïque, outrancière, de chambre ou d’ailleurs, elle n’en reste pas moins une affaire de son et de partage. De là naît la musique de Sylvain Lemêtre qu’il restitue à grands coups de “boum” et de “tak”. Dans ce spectacle intime, portrait sincère et reflet d’un percussionniste affranchi de toute territorialité musicale, Sylvain Lemêtre a devant lui une table débordant de percussions inédites qu’il a lui même conçues.

Un spectacle musical parlé et percuté, où il sera question de tortures sonores du Roi Kouloud, d’intestin flûte, des cheveux archets ou encore de claquettes électriques... Un solo haut en couleur sonore, agissant comme un remède miracle contre toutes les formes de morosité.

Convoquant les monstres sacrés de la musique française du début du vingtième siècle (Debussy, Ravel, Fauré ou Satie), Ikui Doki fait voler en éclat les cadres habituels de ce répertoire. Improbable, pensez-vous ? Pas avec Ikui Doki !

Dans une interprétation audacieuse, le trio développe sur scène l’inédite palette sonore de leur instrumentarium spécifique : basson, clarinette, saxophone et harpe amplifiée. Leur musique s’aventure vers des paysages extatiques, teintés de sonorités free jazz et de trames harmoniques raffinées.

Ikui Doki dévoile son univers où l’impressionnisme et le jazz s’associent dans une composition mouvante et émouvante, entre tradition et création

Jacques Rebotier s’apparente à la folle famille des dislocateurs de mots, de sons et de cerveaux. Compositeur, poète, metteur en scène et performeur, il se joue des frontières entre les disciplines et multiplie les points de vue dans une oeuvre résolument contemporaine où il croque, à pleines dents, une civilisation qui ne va pas fort.

Pour Chansons climatiques et sentimentales, il réunit un quatuor à cordes de musiciennes-parlantes, pour un “tour de paroles”, à l’image des tours de chants. Slalomant des musiques traditionnelles à la variété, des compositions originales aux reprises de répertoire, de Joe Dassin à Chet Baker, le compositeur-poète nous entraîne dans un voyage poétique de paysages familiers en terrains sauvages.

Les textes de Xavier Machault naviguent entre récits noirs, poésie lumineuse et accès surréalistes. Accompagné des musiciens Valentin Ceccaldi et Quentin Biardeau, ils dessinent ensemble un pont entre le rock indépendant et la chanson contemporaine.

Écho à notre monde fissuré et absurde, Pelouse n’a pas peur de nous mener vers les abîmes. Dans le fond comme dans la forme, Pelouse frôle joyeusement les limites du raisonnable, maniant l’art du décalage avec finesse.

Les Vibrants Défricheurs s’aventurent joyeusement dans des créations collectives mêlant les disciplines et les rencontres. S’amusant et s’affranchissant des frontières et des conventions esthétiques, ils aiment les expériences alchimiques entre la manipulation de la matière visuelle et sonore.

A l’occasion de ces deux soirées à l’Atelier du Plateau, trois plasticiens et trois musiciens (rejoints pour une soirée par Edward Perraud à la batterie) créent un ciné-concert en temps réel. Ces six comparses se rencontrent dans l’improvisation, guidés, ça et là, par la plume du compositeur Antoine Berland. Du fait-main, du fait maison, du fait en direct, dont l’esprit s’incarne dans un art résolument vivant et libre.

Un dieu un animal, roman de Jérôme Ferrari, tresse une double narration. Celle d’un jeune homme de retour en Corse, après qu’ait tourné court une mission militaire en Irak. Et celle de Magali, jeune chasseuse de têtes pour un grand groupe, pour qui la violence des rapports humains est aussi le lot quotidien.

Ensemble, ces deux fils dessinent le portrait d’une jeunesse française d’aujourd’hui, confrontée à une nouvelle forme d’exil, sacrifiée sur l’autel des divinités modernes : la guerre et l’entreprise.

Le metteur en scène Julien Fišera s’intéresse de près aux écritures d’aujourd’hui tout en développant un théâtre hybride, ouvert aux autres disciplines. Avec Un dieu un animal, il dépeint en filigrane les enjeux de l’engagement et des propagandes médiatiques, incitant de plus en plus de jeunes à rejoindre les bancs de l’armée. Un théâtre pour s’ouvrir au monde, initier un dialogue, se faire l’écho des grands questionnements contemporains.

Deux musiciennes hors pair se rencontrent pour livrer leur vision féminine et féministe de l’Afrique d’aujourd’hui.
Entre le VIIème et le XVème siècle, les routes des caravanes sahéliennes furent aussi celles des razzias d’esclaves, ramenés de force du sud-Sahara pour aller servir les nouveaux maîtres du Maghreb. Parmi eux, certains étaient musiciens et guérisseurs, se servant des cérémonies de transe pour exorciser les pathologies psychiques. Ces confréries existent toujours, notamment en Algérie où elles sont appelées Diwan.

Pour réunir ce que l’histoire a séparé, deux femmes d’exception accordent leurs voix et instruments : Naïny Diabaté, présidente de la société des griots d’Afrique de l’Ouest et Hasna El Becharia, qui a ravi le guembri aux hommes tel Prométhée le feu. Toutes deux retrouvent les profondeurs d’une autre histoire africaine, celle des veillées et des nuits où les vivants, les morts, les animaux, les humains, les choses formaient un grand tout.

Les ombres de l'histoire nous poursuivent-elles ? Comment faire pour ne pas porter les plus sombres moments de l’histoire sur nos épaules ? Comment le besoin de transmission co-existe avec la nécessité d’oublier ? Comment vivre notre présent, habités par toutes ses traversées terribles et contemporaines ? Le Bruit des Ombres soulève ces questions en réponse à l’histoire singulière, et pourtant si semblable à d’autres, de Charles Borowski et de son échappée à travers l’Europe pour fuir l’occupation nazie en France.

Le temps de deux soirées, quittons l’Atelier du Plateau pour nous installer dans un café, ce lieu où l’on échange un verre, des histoires, un regard avec son voisin. Une émission de radio est sur les ondes. On tend l’oreille, nos mains sur le comptoir, la radio murmure… Qu’avez-vous choisi d’oublier ?

Les interprètes se dévoilent dans ce lieu par leurs étranges présences, concentrés sur leurs mains. Par le geste, ils nous livrent ce que l’on ne nous dit pas et emmènent le public au dehors. De soi vers l’autre, du paysage intérieur vers le paysage extérieur.

La metteuse en scène, Déborah Benveniste, dessine un espace sensible, associant installation sonore et geste, pour interroger avec finesse notre rapport intime aux mémoires et à l’histoire.